Cuantos instrumentos tiene la orquesta sinfonica:
Conjuntos de tamaño similar a la orquesta clásica surgieron justo después de 1600 en relación con el desarrollo temprano de la ópera. Posteriormente, y hasta mediados de los 1700, el tamaño y la composición de la orquesta variaron enormemente, dependiendo de las condiciones tanto prácticas como financieras. Con frecuencia, los compositores de la época solo incluían indicaciones rudimentarias (o ninguna) sobre qué instrumentos o cuántos se necesitaban para un trabajo específico. Las partes se asignaron de forma más o menos aleatoria a los instrumentos disponibles, y aunque las cuerdas eventualmente se desarrollaron en la agrupación utilizada hoy (dos grupos de violines, violas, violonchelos y posiblemente dobles bajos), tomó mucho más tiempo alcanzar un estándar común similar para el uso de los vientos.
La base de la orquesta moderna se remonta a la ampliamente conocida Orquesta de la Corte en Mannheim durante la década de 1750, una época en la que el grupo barroco continuo desaparecía gradualmente. Consta de cuerdas, dos flautas, dos oboes, dos fagotes, dos cuernos, dos trompetas y timbales, la Escuela de Mannheim desarrolló la individualización de los instrumentos de viento de madera, mientras que las cuerdas comenzaron a usar una inclinación coordinada. Más tarde, se agregaron dos clarinetes, y el advenimiento de Beethoven inició una extensión continua de la orquesta. Hasta entonces, los trombones se habían usado casi exclusivamente en música de iglesia y para efectos dramáticos especiales en obras de ópera, pero Beethoven prescribió uno o más trombones en sus sinfonías 5ª, 6ª y 9ª (además de varios instrumentos de percusión en este último). La quinta sinfonía también requiere una forma temprana de doble fagot, la 5ta y 6ta una flauta piccolora, y finalmente la cantidad de cuernos se incrementó de dos a tres o cuatro. En ocasiones, Beethoven escribió partes individuales para los contrabajos (que hasta entonces casi sin excepción habían duplicado los violonchelos), una práctica que pronto se hizo más común.
En la última parte del siglo XIX, ayudado por las innovaciones de Berlioz, instrumentos como el arpa, la tuba moderna, el cuerno inglés, el clarinete bajo, el clarinete Eb, el fagot doble moderno, el trombón bajo, etc., finalmente se convirtieron en estándar en las orquestas más grandes. Las extensiones adicionales se limitaron principalmente a latón y percusión. Durante la primera mitad del siglo XIX, los instrumentos de válvula se hicieron cada vez más comunes entre los trompeteros y trompeteros junto con los instrumentos naturales, a la larga sustituyendo a los instrumentos naturales. Pero algunos compositores, especialmente Brahms y Wagner, continuaron usando instrumentos naturales, convencidos de que su timbre no tenía rival.
El tamaño orquestal siempre ha estado sujeto a variación, aunque el desarrollo hacia orquestas cada vez más grandes continúa claramente hasta la época de la Primera Guerra Mundial. Este aumento gradual estuvo inicialmente relacionado con la transferencia de la orquesta de las cortes reales al dominio público. En 1782, el personal permanente de la Orquesta de Mannheim incluyó 23 violines (12/11), 3 violas, 4 violoncelos, 3 contrabajos, 4 flautas, 3 oboes, 4 clarinetes, 4 fagotes, 6 trompetas y timbales. Alrededor de 1800, el grupo de cuerdas había crecido a 7 violas, 5 violoncelos y 7 contrabajos, y a partir de aquí el tamaño de la sección de cuerdas se extendió repetidamente. En su ópera Salome, Richard Strauss pide 16 1er y 16 2do violín, 12 violas, 10 violonchelos y 8 contrabajos. Junto con el crecimiento de la orquesta y la desaparición del continuo barroco, la convención de dirigir la orquesta desde un instrumento de teclado (acostumbrado incluso en la época de Mozart) o confiar esta función al líder de los primeros violines, también desapareció. La historia del director de orquesta, un músico que no toca, realmente despegó después de 1800.
Cuando se siguen las instrucciones del compositor, la octava sinfonía de Mahler (apodada “Sinfonía de los Mil”) exige una orquesta de alrededor de 120 músicos, dos coros (cada uno con un mínimo de 32 cantantes), 8 solistas vocales y un coro de niños. El puntaje de Gurrelieder de Arnold Schonberg (1901-10) requiere 20 primeros y 20 segundos violines, 16 violas, 16 violonchelos, 12 contrabajos; 4 piccolos, 4 flautas, 3 oboes y 2 cuernos ingleses, 7 clarinetes (entre estos 2 en Eb y 2 clarinetes bajos), 3 fagotes y 2 fagotes dobles; 10 trompas, 6 trompetas y trompeta baja, trombón alto, 3 trombones, trombón bajo, trombón contrabajo y tuba. Además de 4 arpas, un tecladista y 5 percusionistas. En todos los 144 músicos, sin contar un narrador, cinco solistas vocales, un gran coro y un coro masculino separado.
La desaceleración financiera después de la Primera Guerra Mundial y la Depresión mundial durante la década de 1930 condujo a una disminución en el tamaño de la orquesta, y desde la Segunda Guerra Mundial la orquesta se ha estancado esencialmente en el tamaño relativo en que lo encontramos hoy. Pero incluso hoy, las fuerzas orquestales varían considerablemente debido a una serie de condiciones: economía, tamaño del escenario o salón, función (por ejemplo, ópera), requisitos de partitura, acústica, repertorio, deseos especiales del director, tradiciones locales, etc.
Después de la Segunda Guerra Mundial, las orquestas de cámara (generalmente de aproximadamente 40 jugadores) se hicieron comunes como una alternativa a la orquesta sinfónica costosa, más tarde seguida por el conjunto llamado “sinfonietta”, hoy generalmente compuesto de un solo representante de los instrumentos básicos en una orquesta sinfónica, que incluye cuerdas solistas.
Una moderna orquesta sinfónica a gran escala consta de aproximadamente cien músicos permanentes, distribuidos con mayor frecuencia de la siguiente manera: 16-18 1er violín, 16 2do violín, 12 violas, 12 violonchelos, 8 contrabajo, 4 flautas (uno con piccolo como especialidad) ), 4 oboes (uno con cuerno inglés como especialidad), 4 clarinetes (uno con clarinete bajo como especialidad, otro especializado en clarinetes altos), 4 fagotes (uno con doble fagot como especialidad). En teoría, se espera que todos los jugadores de instrumentos de viento de madera puedan tocar todos los instrumentos auxiliares además de su instrumento principal. Además, 5-8 cuernos, 4 trompetas, 4 trombones (uno con trombón bajo como especialidad), 1 tuba, 1 tocador de timbales, 3-4 percusionistas (de los cuales al menos uno también debe tocar el timbal), 1-2 arpas y una tecladista (piano, celesta, clavicémbalo, etc.).
Los músicos que dominan instrumentos como saxofón, guitarra, oboe bajo (heckelphone), ondes martenot, sintetizador, etc., por lo general no tienen una posición permanente, pero se dedican a proyectos especiales o conciertos. Del mismo modo, los jugadores adicionales participan cuando un puntaje requiere latón extendido, percusión, etc.
Cada sección instrumental en la orquesta tiene un líder (a menudo referido como director) que lidera el grupo y toca solo cuando es necesario, por ejemplo, solo de flauta, solo de cuerno, solo de violonchelo o solo de trompeta. El líder de los primeros violines se llama concertmaster y está a cargo del liderazgo general de toda la sección de cuerdas.
Hoy, en interés de la igualdad y del sentido de responsabilidad del jugador individual, muchas orquestas tienen esquemas de rotación entre las cuerdas, con la posible excepción de las dos primeras mesas. Los músicos son reclutados en base a audiciones competitivas (hoy generalmente detrás de una pantalla) para posiciones específicas, p. segundo fagot El director principal toma parte en la selección final. El empleo permanente normalmente requerirá un período de prueba, generalmente de seis meses a un año, después del cual un jugador con un puesto permanente puede ser despedido solo de acuerdo con los acuerdos sindicales estrictos y las normas internas [1].
Con raíces que se remontan a principios del siglo XX, la configuración orquestal más común hoy ubica la percusión en la parte posterior a la izquierda, los trombones / tuba a la derecha y los timbales entre estos dos grupos. En la siguiente fila (aquí, como en el siguiente, de izquierda a derecha) cuernos, clarinetes, fagotes y trompetas, y frente a estas flautas y oboes. Los dos grupos de violines se colocan a la izquierda del conductor en un triángulo dividido por una línea de 30 grados, de modo que algunos primeros violines se sientan a lo largo del borde del escenario, de cara al público. Las violas se colocan delante del conductor, a veces un poco a la derecha. A la derecha del conductor se encuentran los violonchelos frente a los primeros violines, con bajos dobles colocados detrás de los violonchelos (y algunas veces parcialmente detrás de las violas). Piano, celesta y arpa se colocan a la izquierda, detrás de los violines, con frecuencia alineados con flautas y oboes.
Cuando las condiciones del escenario u otras circunstancias lo permitan, el diseño puede tener la forma de un ventilador. La percusión ocupa toda la última fila, todavía con timbales en el medio, seguidos por cuernos, trombones y trompetas en la fila siguiente, luego clarinetes y fagotes, y en el frente (justo detrás de las violas) flautas y oboes.
Si el escenario tiene la forma de un medio círculo, se pueden requerir ciertas modificaciones. En este caso, la percusión, las trompetas y los trombones a menudo forman un semicírculo en la parte posterior, seguidos por arpa, piano, cuerno y tuba en el siguiente semicírculo, instrumentos de viento en el medio y cuerdas en un amplio círculo exterior, como se describió anteriormente.
No es fácil decir exactamente por qué este diseño ha ganado una amplia aceptación internacional. El hecho de que se hizo común entre las orquestas estadounidenses grandes y excelentes que surgieron a comienzos del siglo pasado puede ser parte de la explicación. Utilizando la Filarmónica de Viena como modelo, la orquesta romántica tardía colocó los dos grupos de violines antifonalmente a cada lado del director de orquesta, con bajos (de la izquierda) y violonchelos colocados donde los 2dos violines suelen estar sentados hoy. Este diseño a menudo tiene el bronce a la izquierda, la percusión a la derecha, pero todavía con timbales en el medio. Los cuernos se colocan en el medio, frente a las trompetas. A veces, estos dos diseños diferentes se conocen como “americano” y (antiguo) “alemán”, respectivamente. Después de la Segunda Guerra Mundial, el diseño “alemán” se extinguió prácticamente, incluso en Alemania.